Spacial, Visual & Iconic

Berlin Artweek 2017: Gerrit Frohne-Brinkmann at Galerie Noah Klink, Sarah Ancelle Schönfeld and Reto Pulfer at Bärenzwinger & «Festival of Future Nows 2017 → ∞» by Olafur Eliasson

Here are three carefully selected picks from this week’s Berlin Artweek 2017. By chance all of them include plants, refer to organisms and exhibit nature somehow – other connections surely can be found.
Always remember: «The clearest way into the universe is through a forest wilderness» as John Muir put it.

Berlin Artweek 2017 is in full swing and Gerrit Frohne-Brinkmann from Hamburg presents his exhibition «Dr. Perversi» at the recently opened Galerie Noah Klink until 10th of October 2017.
Frohne-Brinkmann who won the New-Positions-Prize of the artfair Art Cologne in 2016 presents an environment which cites waiting rooms of doctor’s offices. He refers to the furniture, the plants and the art usually found in these places of transit. On the wall he hang drawings modeled after the ones which are applied to patient’s bodies before plastic surgery and on the shelves he arranged sculptures of carnivorous plants made from clay. (I already mentioned before that clay is heavily trending again.) ⠀
The almost symmetric drawings bring to mind the images of the notorious and controversial Rorschach test used in psychological treatments which tries to analyze the patient through his or her perception of given inkblots images which are a priori without any given message. ⠀
While the Rorschach test is used to examine a person’s psyche, working with clay is also used a form of therapy. It is said that this non-verbal and playfull method has a balancing effect and strengthens the self-confidence and autonomy through the expression of feelings. ⠀
Frohne-Brinkmann combines the targeted perfection of optional beauty surgeries with the decay of the carnivorous plants to comment in a nonchalant way on the phase of a young artist in which he works constantly on his inner and outer personality while waiting until he gets called up, because the «artworld will see him now» – and one way or another gets swallowed up by it. •

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Performative, Spacial, Visual & Iconic

A Glimpse Inside The Exhibition Of documenta 14

Let’s focus on the 14th edition of documenta which is still on display in Kassel until September 2017.

The artwork «Ardoises magiques, Magie» by Belgian artist Marcel Broodthaers (1924 - 1976) shown at Neue Galerie

The artwork «Ardoises magiques, Magie» by Belgian artist Marcel Broodthaers (1924 – 1976) shown at Neue Galerie

This is the work «Ardoises magiques, Magie» by Belgian artist Marcel Broodthaers (1924 – 1976) shown at Neue Galerie. It consists of a publication with the title «Magie» and an old fashioned magna doodle or etch-a-sketch as the title puts it already with his initials. ⠀
Sigmund Freud already described the second part in his essay about the «Wunderblock» (German for etch-a-sketch or magna doodle): With the «Wunderblock» a pen leaves traces which can be easily erased over and over by lifting the upper paper from the ground plate. Although the writings or drawings made on it are always erased on the surface trough the covering paper. Nevertheless on the main board small, almost invisible marks remain. These marks Freud was interested in when he compared this special device to a human mind which is confronted with a bunch of information which stays primarily unnoticed or unconscious, but are important for the subliminal in that what follows. ⠀
When Broodthears puts this tool next to a journal with the title «Magie» – notably in German – he may refer to this essay of Sigmund Freud, which reveals that there is not so much pure magic in our subconscious as we might think. ⠀
Or the other way round, connected to «Art et Politique» also mentioned on the journal: That magic is not only at work in art, but also in politics – even more if it is denied and presented as pure logic and a form of cybernetic systems theory. And that politics leave its marks for longer that we might think, even if it turned out wrong and got erased on the surface. •

A still of the six-channel video installation «Realism» from 2017 by Polish artist Artur Żmijewski (*1966) shown as part the 14th edition of documenta at Neue Neue Galerie (Neue Hauptpost) in Kassel

A still of the six-channel video installation «Realism» from 2017 by Polish artist Artur Żmijewski (*1966) shown as part the 14th edition of documenta at Neue Neue Galerie (Neue Hauptpost) in Kassel

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Archeological & Archival, Spacial

A walk in the Park on the Ilm in Weimar retracing classical Johann Wolfgang von Goethe and the modernist Bauhaus

Galerie

In Weimar’s valley of the river Ilm a park was created in the style of an English garden between 1778 and 1830. Johann Wolfgang von Goethe was initially involved in its creation, but withdraw from its further development. ⠀
The Park on the Ilm is part of the World Heritage Site «Classical Weimar» and features some architectural treasures on its margins.

Already in 1776 duke Carl August had invited von Goethe to Weimar and gave the poet a country house with a garden in the valley as a gift, because he wanted him to stay. Another reason for the gift was, that for the polical functions he was proposed for, the citizenship and property of land were required. So on 21st of April 1776 the house and the property was handed over to J. W. von Goethe and repair work and equipment started soon after. ⠀
The interior was intended to be without ornaments and excuberance – simple and in beautiful forms. We will see this principle recur later in another building near the park. ⠀
Goethe lived in this country house until he moved into the city in 1872. ⠀
During his period in the house he created everlasting poetry like the poem «To the moon» which is also on display in the house, handwritten by the poet himself. Goethe also swam in the river Ilm by night in the moonlight – which was quite unusual in his times, even by day. The main rooms of the house are up to now not yet electrified and give quite a good impression how it was to live there. ⠀
The sculpture «Altar of Agathé Tyché» which is a bowl resting on a cube is said to be one of the first abstract sculptures in Germany. It combines of the stability of the cube with the unsteadiness of the globe. Tyché is the Greek goddess of destiny, agathé is Greek for good – so it’s a symbol for good fortune and therefore also called «Stone of the good luck». •

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Linguistic, Performative, Sound & Vision, Spacial

Gallery Weekend Berlin 2017: Adam Pendleton, Donna Huanca, Luigi Presicce, Helga Paris, Jeongmoon Choi & Stefan Panhans

A selection of artists and their work shown at galleries, off-spaces, showrooms, municipal galleries and private collections in Berlin.
Most of them will be on display for longer – check them out!

Italian artist Luigi Presicce is exhibiting in Berlin at M+Project which organized the exhibition «Nostalgia del Futuro» with the Italian artist who is shortlisted for the Premio Anna Morettini this year. ⠀

Italian artist Luigi Presicce is exhibiting in Berlin at M+Project which organized the exhibition «Nostalgia del Futuro» with the Italian artist who is shortlisted for the Premio Anna Morettini this year. ⠀

Italian artist Luigi Presicce is finally exhibiting in Berlin for the first time, because luckily M+Project organized the exhibition «Nostalgia del Futuro» with the Italian artist who is shortlisted for the Premio Anna Morettini this year. ⠀
Although working in performance art, he dates his initiation to become an artist back to his time as teenager when he got in contact with the large-sized paintings by American artist Julian Schnabel. ⠀
The son of a fisherman was born near Lecce in southern Italy and started with a series of self-portraits on sheets which evokes a certain religious reference: The Veil of Veronica, which became a central icon in the Western Church. ⠀
But it must be clearly stressed that Presicce rejects every religious dogma, even when he integrates religious elements in his works to form a hybrid symbolism that deals with various iconographic and iconologic references and as a consequence creates his own individual mythology. ⠀
The mix of performance and pictoriality was the significance of his work ever since his first works and actually his art can be seen as a form of media art – in a literal sense that it tries to preserve the special quality of intermediality and stimulate comunication between different spheres which can’t be clearly devided by general logic. This combination is defined by «tacit knowledge» and its connected skills, ideas and experiences – like sailing does require it or like it is embodied in artistic performances. ⠀
Also modernist movements incorporated this special, sometimes «magic» wisdom – a part of the history of modernism which is mostly ignored, but to a greater extent inspiring generations of artists. ⠀
They work in this special tradition and never forget about the utopian qualities of historic and tacit wisdom – the way Luigi Presicce incorporates it is just striking. •

Stefan Panhans and Andrea Winkler set up an exhibition under the title «A Gallerina's Dream (Arbeitstitel)» at Galerie im Turm.

Stefan Panhans and Andrea Winkler set up an exhibition under the title «A Gallerina’s Dream (Arbeitstitel)» at Galerie im Turm.

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Archeological & Archival, Spacial

«Ein jeder will leben» | Documenta Diary #1

Amalia Vekri: «Fix Greek Summer 1 & 2», 2017 bei «DaDa Da Academy presents present». Die ehemalige Fix-Brauerei wurde zum Nationalmuseum für zeitgenössische Kunst (EMST) umgebaut.

Amalia Vekri: «Fix Greek Summer 1 & 2», 2017 bei «DaDa Da Academy presents present». Die ehemalige Fix-Brauerei wurde zum Nationalmuseum für zeitgenössische Kunst (EMST) umgebaut.

Auf dem Weg zum Flughafen hebe ich Geld ab. Die Bank ist voller Ost-Rentner, die am ersten Tag des Monats die Bank stürmen. Ein erster Athen-Moment? Das erste Mal höre ich bewusst Griechisch im Flieger, als eine Ansage Rubbellose zum wohltätigen Zweck für die Kinderstiftung von Ryanair anpreist. «Become Millionaire and support Children!». Niemand kauft eines der Lose auf der 1806 Kilometer langen Flugstrecke. «Ein jeder will leben» lautet eine gängige Redensart in Griechenland.

Plakatwand in Athen mit dem Plakat der documenta 14

Plakatwand in Athen mit dem Plakat der documenta 14

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Stella Geppert: «Arbusti - Moving Studies & Homeopathic Interventions», Full HD, Loop 10 min, Venedig, 2014 / 2015
Interview, Performative, Sound & Vision, Spacial

«Für mich haben Gespräche architektonische Formen.»

Die Künstlerin Stella Geppert entwickelt in ihren Arbeiten raumbezogene und performative Konzepte und Installationen.
Mit Norbert Bayer sprach sie über ihre neuesten Arbeiten, demokratisches Handeln und ihre Träume. 

Stella Geppert zieht sich zu Beginn des Gesprächs den Kapuzenpullover über. Beim Überziehen des Pullovers rutscht ihr die Sonnenbrille, die sie in den Haaren trug, auf die Nase.

Stella Geppert: (lacht) Wie Sie sehen, kann ich mit dem Anziehen eines Kapuzenpullovers gleichzeitig meine Sonnenbrille auf die Nase stülpen.

Norbert Bayer: Sehr gut! Könnte das bereits eine Ihrer Performances sein?

Das ist für mich zunächst einmal eine Inspiration, aus der eine Intervention hervorgehen könnte.

Und was macht für Sie eine Intervention aus? Worin unterscheidet sie sich von der Performance oder dem Happening?

Also mit Happenings – ich bin zwar happy – aber mit Happenings hab ich nicht so viel am Hut. Für eine ortsspezifische Arbeit bedarf es eines langen Recherchevorlaufs. Gute Interventionen von mir sind hingegen aus dem Zufall heraus entstandene Situationen. Meine Objekte sind immer aus Situationen und Handlungen heraus entstanden, denn es gibt für mich keinen Gestaltungsprozess, der losgelöst wäre von alltäglichen Handlungen.

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Elizabeth Price: „The Woolworths Choir of 1979" (2013), video still | © Elizabeth Price 2013
Performative, Sound & Vision, Spacial

Fire In The Choir

Elizabeth Price, in den 1980ern Teil der Band Talulah Gosh, zeigt ihre mit dem Turner Prize prämierte Videoarbeit in Berlin. Architektur und die mit ihr verknüpften Strukturen und Gesten sind nur einige der Themen, die darin verhandelt werden. Absolut gewinnbringend anzusehen!

Man kann natürlich einfach der Künstlerin Elizabeth Price Glauben schenken, wenn sie von ihrer Arbeitsweise behauptet, ihr Hauptinteresse gelte «der Frage nach der Eigenständigkeit von Bildern und Tönen und dem Wesen der Konventionen, durch die beides miteinander in Beziehung gebracht wird.» Aber man muss sich damit nicht unbedingt zufrieden geben, denn diese Platitüden können zum Glück das Wesen ihrer Arbeiten noch lange nicht erfassen oder gar erschöpfend behandeln – zumindest nicht das der aktuell im Showroom des n.b.k. in Berlin ausgestellten Videoarbeit The Woolworths Choir of 1979, mit der sie 2012 den Turner-Prize gewann. Schließlich verschränkt sie in dieser komplexen Arbeit nicht weniger als: Architekturfotografie, Pläne und 3D-Renderings von Chorräumen gotischer Kathedralen mit deren Aufbau und Dekor; verfremdete Aufnahmen der Girl-Band Shangri-Las aus den 1960ern, die mit Out in the Street auch den betörenden und an Choräle erinnernden Soundtrack zur Videoarbeit liefern, und Archivmaterial vom Brand einer Woolworth-Filiale in Manchester im Jahr 1979, bei der etliche Menschen ums Leben kamen.

Das mag sich als Konzept zunächst etwas bemüht und angestrengt oder gar anstrengend anhören, ist es aber absolut nicht. Denn Price weiß um die Kraft von Harmonien und um die Catchyness von Rythmisierungen, was deutlich auf die Produktion des Videos The Woolworths Choir of 1979 durchschlägt: Es ist visuell durch Splitscreens und animierte Texteinblendungen und akustisch durch Schnipsen und Klatschen temporeich strukturiert und akzentuiert. Price kann dabei auf ihr Wissen aus ihrer früheren Musikkarriere zurückgreifen, denn sie war in den 1980ern Gitarristin und Backgroundsängerin der Band Talulah Gosh aus Oxford. Die Band gilt als Hauptvertreterin des Twee-Pop und obwohl ihr komplettes Werk auf eine CD passt, war es äußerst einflussreich für der Independent-Musikszene nicht nur Großbritanniens, sondern auch für die spätere Riot Girl-Bewegung in den U.S.A. der 1990er. 1986 erschien ihre erste Single, und vielleicht ist das 30-jährige Jubiläum nun der Anlass für diese Ausstellung im Jahr 2016.

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Absolut Art Apartment Berlin | Foto: Sebastian Reuter/Getty Images for Absolut Art
Interview, Spacial, Visual & Iconic

«I think the art market is fantastic.»

Nahema Mehta, CEO of Absolut Art, talks about Berlin, the art market – and shares some tips on how to start collecting art.

Norbert Bayer: Dear Nahema Mehta, how did you choose the artists for this exhibition of the Berlin edition of Absolut Art?
Nahema Mehta: In every city we go into we partner with local curators on the ground and work with them collaboratively to choose the artists that we think represent the city. In Berlin we partnerned with Francesca Gavin and Nadim Samman here.
What was different in Berlin than in other cities?
I love Berlin – there is an incredible balance between historical relevance and unconventional thinking – you can see that tension in all of these works. That for me is spectacular, and unique to Berlin – it’s what’s made Berlin not only an art-hub that the culturely curious always want to come back to – myself included.
When have you been to Berlin for the first time?
Oh my godness, when I was ten, eleven. I grew up in Belgium in Antwerp, so not so far away. I think when I had came to Berlin for the first time, it was even more raw, not so built out, but that spirit still exists.
We hope to cultivate it…
You do! You don’t hope, you accomplish!

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Stella Geppert, Installation, Performance, Berlin, Künstlerin, Hieroglyphendecke
Performative, Spacial

Space to Power

Stella Gepperts künstlerische Arbeiten sollen durch die Vermischung von Performance und Installation zwischenmenschliche Verhaltensweisen hinterfragen und Rollenmuster aufbrechen.

Stella Gepperts Arbeiten bewegen sich zwar im Kontext von Körper- und Raumkonzepten – wer dabei jedoch an Happenings denkt, liegt allerdings falsch, denn ihre Arbeiten sind keine von Darstellern ausgeführten und inszenierten Handlungsanweisungen, die in einem konventionellen oder erweiterten Ausstellungskontext dem Publikum dargeboten werden. Sie selbst bezeichnet ihre Arbeiten als Interventionen und ortspezifische Arbeiten. Ihre Inter­ventionen sind oft eher aus dem Zufall heraus entstandene Situationen und wenn sie Objekte entwickelt, sind diese vornehmlich aus eben jenen Situa­tionen und daraus abgeleiteten Hand­­­lungen entstanden. Einen Gestaltungs­prozess, der los­gelöst ist von dieser künst­lerischen Stra­tegie, gibt es bei ihr eher selten.

In der Arbeit «When Destruction Becomes New Form» aus dem Jahre 2011 beispielsweise schuf sie durch die unterschiedliche Art und Weise, wie sie eine Briefablage zerstörte – z.B. durch Werfen, Zerschmettern, Zertrümmern, Häm­mern – eine jeweils andere, neue und somit quasi dekonstruierte Briefablage. Sie ging dabei der Frage nach, wie sich über Dekonstruktion, die hierbei durchaus auch als positive Kraft ver­standen werden soll, Formen wieder rekon­struieren lassen, wie Dekonstruktion rückwirkend auch die Konstruktion bestimmen kann und somit beide über körperliche und räumliche Verfasstheiten in ein Wechselspiel eintreten können.

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Freee: «Protest is Beautiful», 2007/2013, postcard | Foto: Ben Fitton, Courtesy: Freee
Spacial

Neue Zonen und weiche Zäune

Vom Gezi-Park zu Beuys’ Eichen

Ein Mann schreit in das Mikro eines Megaphons, dessen Lautsprecher er sich an sein rechtes Ohr hält, als ob er seiner eigenen Artikulationsfähigkeit gegenüber Zweifel hegte und sich nur noch über die körperliche Erfahrung von Schallwellen den noch verbliebenen Resten seiner eigenen Mitteilungsfähigkeit vergewissern könne. Als hätte man ihm den nötigen Resonanzraum genommen, der nötig ist, um aus Lauten Sprache werden zu lassen, bleibt ihm daher nur die von der Öffentlichkeit unbemerkt bleibende autoaggressive Handlung. Es handelt sich hierbei um eine Fotografie vom kurdischen Künstler, Autor und PEN-Club Mitglied Şener Özmen, der das oben beschriebene Selbstportrait aus dem Jahre 2005 in der Gruppenausstellung Agoraphobia im Kunstraum Tanas in Berlin zeigte.[1]

Die Kuratorin Fulya Erdemci hatte diese Ausstellung als Prolog der 13. Ausgabe der Istanbul Biennale vorangestellt, für die sie ebenfalls verantwortlich zeichnete. Diese fand unter dem Titel Mum, am I a Barbarian? vom 14. September bis 10. November 2013 statt. Fulya Erdemci ist Kuratorin und Autorin und lebt in Istanbul und Amsterdam; von 1994 bis 2000 war sie Direktorin der Istanbul Biennale und leitete von 2008 bis 2012 die Stiftung SKOR in Amsterdam, die Kunstwerke für den öffentlichen Raum begutachtet und entwickelt. Mit den beiden Ausstellungskonzepten aus dem Jahre 2013 hinterfragte sie Konflikt­potentiale von aktuellen Stadt­entwicklungen, die sich in sozialen Bewegungen widerspiegeln, rückte den öffentlichen städtischen Raum als Grundlage für demo­kratische Meinungs­bildung und freie Meinungsäußerung in das Zentrum ihres kuratorischen Interesses.

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